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Lo real maravilloso

Con motivo del Año Dual España-Japón, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla León (MUSAC), Acción Cultural Española (AC/E) y el Museum of Contemporary Art Tokyo organizan una exposición que, bajo el nombre LO REAL MARAVILLOSO. Arte contemporáneo español y latinoamericano en la Colección MUSAC, recoge obra de 27 artistas de la colección del MUSAC centrada en trabajos de la década de los años 90 hasta hoy.

F. Sanchez Castillo_Arquitectura para caballo_2002

El Año Dual España-Japón, que se celebra entre junio de 2013 y julio de 2014, conmemora el 400 aniversario del establecimiento de relaciones bilaterales entre ambos países tras la llegada a España, en 1614, de la primera delegación diplomática nipona, conocida como la Embajada Keicho. Con este motivo, AC/E ha organizado diversos proyectos para dar a conocer a los japoneses la pujanza de los creadores españoles más contemporáneos e impulsar el entendimiento mutuo y abrir nuevos horizontes de colaboración. Lo real maravilloso, que podrá visitarse en el Museum of Contemporary Art Tokyo entre el 14 de febrero y el 11 de mayo de 2014, es la última exposición que AC/E ha organizado para celebrar este año dual en la que se muestran medio centenar de obras de artistas hispanohablantes seleccionados de la excelente colección del MUSAC.

La exposición presenta además una amplia diversidad de expresión que incluye vídeos, instalaciones espaciales, pintura y escultura de los artistas nacionales e internacionales como: Pilar Albarracín (Sevilla, España, 1968) / Lara Almarcegui (Zaragoza, España, 1972) / Sergio Belinchón (Valencia, España, 1971) / Vicente Blanco (Santiago de Compostela, A Coruña, España, 1974) / Raimond Chaves (Bogotá, Colombia, 1963) / Elena Fernández Prada (León, España, 1971) / Joan Fontcuberta (Barcelona, España, 1955) / Sandra Gamarra (Lima, Perú, 1972) / Carlos Garaicoa (La Habana, Cuba, 1967) / Carmela García (Lanzarote, España, 1964) / Anthony Goicolea (Atlanta, EE. UU., 1971) / Diango Hernández (Sancti Spíritus, Cuba, 1970) / Kaoru Katayama (Himeji, Japón, 1966. Vive y trabaja en Madrid) / Leonilson (Fortaleza, Brasil 1957 – Sao Paulo, Brasil, 1993) / Cristina Lucas (Jaén, España, 1973) / Jorge Macchi (Buenos Aires, Argentina, 1963) / Gilda Mantilla (Lima, 1967) / Enrique Marty (Salamanca, España, 1969) / Julia Montilla (Barcelona, 1970) / Marina Nuñez (Palencia, 1966) / Tatiana Parcero (México DF, 1967) / Jorge Pineda (Barahona, República Dominicana, 1961) / Miguel Ángel Rojas (Bogotá, Colombia, 1946) / MP & MP Rosado (San Fernando, Cádiz, 1971) / Fernando Sánchez Castillo (Madrid, España, 1973) / Martín Sastre (Montevideo, Uruguay, 1976) / Javier Téllez (Valencia, Venezuela, 1969). Desde el flujo lento del tiempo en una serena pintura al sentir extremo de la velocidad en un vídeo que puede ser confundido con un documental, esta serie de contenidos “rápidos” y “lentos” ofrece al espectador una excitante experiencia visual.

Desde el siglo diecisiete el realismo ha sido un elemento protagonista del arte español con exponentes como Velázquez y Goya, en una tradición que se aprecia además en el movimiento realista de los años 80 con la obra de Antonio López García.

Lo “real” del arte español no se refiere a la técnica de reproducir los sujetos con lujo de detalles sino que más bien deriva de la obsesión de los artistas españoles por pintar lo que ven como lo “real”. Dicha obsesión nace del deseo de captar aún lo surreal y lo fantástico de la misma manera que nosotros tocamos y comprendemos los objetos cotidianos, trayéndolos a ras del suelo y estableciendo con ellos un diálogo.

El resultado es a menudo una elocuente exageración o una visión esperpéntica de escenas de la vida diaria que, supuestamente, brota de la intensa relación entre la vida y la muerte. El poeta Federico García Lorca escribió aquello de que “Un muerto en España está más vivo como muerto que en ningún sitio del mundo” y, en verdad, la muerte puede ser mucho más vibrante que la vida.

Las obras de esta exposición comunican a través del realismo el peso de la vida que está respaldada por una muerte activada. La exposición incluye obras de artistas latinoamericanos y nos muestra cómo la sensibilidad española de lo “real” se transforma y se desarrolla en la sorprendente e idiosincrásica cultura tropical que hallamos en Centro y Sudamérica.

Esta exposición insinúa dónde reside aquello “real” que no ha sido absorbido e incorporado en el mundo globalizado y conectado, y sugiere una manera de ser (lo Real Maravilloso) donde lo “real” es revelado claramente en el conflicto entre los excesos de la vida y las sombras de la muerte.

Obras contemporáneas que continúan la tradición del realismo y la exploración de la vida y la muerte en la pintura española

Son obras que describen la gente “real” de hoy en una manera que sólo la pintura puede hacerlo. La soledad, la alienación, la búsqueda de identidad, el amor y el odio, la alegría y la lucha por la vida, la violencia y la contemplación. Estas pinturas muestran el drama humano de los tiempos actuales incorporando temas políticos y sociales.

Una imaginación asombrosa y expansiva

La exposición muestra la transformación mágica de nuestro mundo y la increíble imaginación creativa del país que produjo a Salvador Dalí e incluye una habitación en la que todos los muebles han sido cortados por la mitad, un jinete en traje y corbata que galopa a caballo por el edificio de una universidad y una escena en la que las estrellas del cielo parecen haber sido transferidas a la tierra. Todas estas imágenes han nacido del feliz maridaje entre la sensibilidad mágica de América Latina y la imaginación creativa española.

Obras y notas biográficas de los artistas

Pilar Albarracín

Sevilla, España, 1968

La fotografía, el vídeo y sobre todo la performance, centrados en el análisis de los tópicos de la España tradicional y su cultura – el flamenco, la gastronomía, los toros o la artesanía-, han sido los medios de expresión habituales utilizados por Pilar Albarracín. En la mayoría de los casos es la imagen de la propia artista la que aparece en sus obras, concibiendo, por tanto, su trabajo desde un punto de vista femenino. Su obra está caracterizada por la ironía y el humor; ambos recursos le sirven para reflexionar críticamente acerca de los estereotipos y convencionalismos sociales. Con su habitual desparpajo narrativo, desarrolla una estrategia de reactualización al denunciar fenómenos como la inmigración o la violencia de género.

Entre sus últimas exposiciones destacan las siguientes: Arte de comportamiento e imágenes sociales del Cuerpo, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla, España, 2013); Le duende volé, XXIV Festival Arte Flamenco, Musée de Marsan, (Mont de Marsan, Francia, 2012); She Dances Alone: Pilar Albarracín in Musical Dancing Spanish Dolls, New World Museum, (Houston, Texas, EEUU, 2011).

Musical Dancing Spanish Doll, 2001

DVD vídeo color y sonido

DVD color video and sound

3’ 25”

Lara Almarcegui

Zaragoza, España, 1972

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) es una de las artistas españolas con mayor presencia internacional. Residente en Rotterdam desde mediados de los 90, sus proyectos tienen como contexto la ciudad contemporánea y sus condiciones de desarrollo. Sus guías de ruinas modernas en Holanda o Borgoña, de descampados urbanos en Londres o Sao Paulo, sus trabajos con montañas de escombros en Viena o Dijon, o sobre el peso de ciudades como Sao Paulo, la han llevado a participar en los más importantes eventos internacionales del arte contemporáneo de la última década.

Desde 1999 sus proyectos se han expuesto en el Stedelijk Museum Bureau, Ámsterdam; Witte de With, Rótterdam; Bienal de Pontevedra; Bienal de Turín; Centro de Arte Le Grand Café, Saint-Nazaire; Bienal de Liverpool; Index, Estocolmo; De Appel, Amsterdam; FRAC Bourgogne, Dijon y Konsthalle de Lund. Durante 2006-08 ha realizado proyectos para la Bienal de Sao Paulo; Momentum, Festival de Arte Nórdico; Bienal de Sevilla, Proyectos Frieze, Londres; la Galeria Civica de Arte Contemporaneo de Trento, la Bienal de Sharjah, LIAF y la Fundación Sandretto de Torino, la Bienal de Gwanyu o la Bienal de Taipei, y más recientemente en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M). Almarcegui representará a España en la 55 Bienal de Venecia, con un proyecto comisariado por Octavio Zaya (Las Palmas de Gran Canaria, 1954), comisario externo de MUSAC.

Cavar, 1998

Políptico de 80 fotografías

Poliptych 80 photographs

200 x 200 cm

Sergio Belinchón

Valencia, España, 1971

Su formación se ha desarrollado básicamente en el campo de la fotografía, aunque de forma reciente ha incorporado el vídeo en su trabajo. Belinchón destaca por su particular visión sobre los lugares urbanos, los edificios, los espacios naturales colonizados por el hombre y los procesos de transformación a los que éstos son sometidos. El gusto por la saturación, la composición cuidada, la perfección en el acabado, el uso de tecnología digital, o la influencia de la Escuela de Fotografía Alemana son algunas de sus señas de identidad.

Entre las últimas exposiciones destacan: Adiós Amigo!, Palacio Montcada (Fraga, España, 2012); Take 1, Galería La Caja Negra,  (Madrid, España, 2012); Western, Museu Morera (Huesca, España, 2012); The Good, The Bad, and The Ugly, Invaliden 1 Galerie (Berlín, Alemania, 2010); Ciudades Efímeras, Galería Fernando Santos (Lisboa, Portugal, 2007); Once Upon a Time, Galería Tomás March (Valencia, España, 2007); 16 Proyectos, ARCO 2006, (Madrid, España, 2006).

Avalancha, 2007

Vídeo instalación en 3 canales

3-channel video installation

7’

Vicente Blanco

Santiago de Compostela, A Coruña, España, 1974

Vicente Blanco es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Pontevedra. Entre 1995 y 1997 realizó el doctorado en la Universidad del País Vasco. En los últimos años ha expuesto de manera individual en la Galería Van der Mien, Amberes, en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, y en el Centro Galego de Arte Contemporáneo, y en muestras colectivas en Pekín, Madrid, Galicia, París y su obra forma parte de importantes colecciones.

Vicente Blanco se ha convertido en uno de los referentes del campo de la videocreación nacional en los últimos años. Su trabajo presenta una serie de influencias directas de la sociedad contemporánea, en la cual sitúa las acciones de sus obras. La publicidad y la televisión son referentes iconográficos de su trabajo. Haciendo uso de la animación digital, y con una estética que bebe directamente del cómic y la novela gráfica, Blanco elabora guiones que se desarrollan en contextos irreales, si bien concretos en su definición formal y conceptual, a través de situaciones diversas donde cobra un papel protagonista la necesidad narrativa. Todas las acciones adquieren así una doble intencionalidad: la de ser causa y efecto de otros acontecimientos. En sus narraciones no importa tanto el fin, sino la forma en que todos y cada uno de los elementos de la narración se relacionan entre sí. Nos encontramos con ficciones en las que se busca alterar la tranquilidad de un espectador que se reconoce con facilidad en lo cotidiano de las imágenes, pero que asimismo se ve desplazado a un estado de “tensa espera” ante el devenir de los acontecimientos que en ellas se narra.

Paisaje nevado (serie), 2002

Impresión digital

Digital print

155 x 200 cm

Ed. 2/3 + 2 P.A.

Raimond Chaves

Bogotá, Colombia, 1963

El trabajo de Raimond Chaves se mueve entre el dibujo, la instalación y los proyectos o talleres colectivos como El dibujo 24h.; Hangueando, Periódico con patas; Aprendiendo de Superbarrio y otros héroes del vecindario o Estación móvil. Es precisamente en estos últimos donde su obra cobra un sentido pleno, al intervenir de forma activa en el contexto local donde se desarrollan. La temática sociopolítica de sus proyectos se centra principalmente en problemas concretos de América Latina como el narcotráfico y la violencia.

Entre sus últimas exposiciones destacan: Un afán incómodo, Galería Revolver, (Lima, Perú, 2012);  Subjective projections: Un afán incómodo, Bielefelder Kunstverein, (Bielefeld, Alemania, 2012); Observaciones Sobre la Ciudad de Polvo, ProjecteSD, (Barcelona, España, 2010) y (Galería Revolver, Lima, Peruú 2010); Mal de América (Dibujos de Viajes), ProjecteSD, (Barcelona, España, 2007); Dibujando América. Notas y apuntes de un viaje de 100 días entre Caracas y Lima, Patio Herreriano, Museo de Arte Contemporáneo Español, (Valladolid, España, 2006).

El viaje (serie), 2005

12 dibujos, técnica mixta sobre papel

12 drawings, mixed media on paper

32 x 48 cm c/u each

Selva (serie), 2006

32 dibujos, técnica mixta sobre papel

32 drawings, mixed media on paper

(25x)25 x 35cm-(7x)35 x 25 cm

Raimond Chaves & Gilda Mantilla

Itinerarios, 2007

Dibujo, técnica mixta sobre papel

Drawing, mixed media on paper

150 x 110 cm

Elena Fernández Prada

León, España, 1971

El trabajo de Elena Fernández Prada se ha centrado en observar y representar un tipo de “cotidianeidad alterada”, en concreto las edificaciones de tipo unifamiliar que suelen poblar el paisaje rural de Galicia. Su aproximación a esta realidad es de carácter lúdico y sumamente intuitivo, huyendo de todo tipo de declaraciones demográficas o estudios cerrados sobre las características socio-políticas de la población. La artista toma como modelos para sus dibujos elementos extraídos de la observación de su propio entorno. Aportando un tipo de lectura o diseño a este tipo de escenificaciones favorecidas por una mirada amable y ligera, contrastando una situación de precariedad tanto arquitectónica como de calidad de vida. Cada uno de sus trabajos corresponde a series ordenadas por un interés formal y temático. Se trata de una aportación tan ficticia como efectiva, posibles decorados o escenificaciones en las que desplegar distintas ficciones.

De la serie/ From the series Vivienda Rural, 2007

Tinta y acuarela sobre papel

300 x 75cm c/u

Joan Fontcuberta

Barcelona, España, 1955

Joan Fontcuberta ha desarrollado una actividad plural y extensa en el mundo de la fotografía como creador, docente, crítico y comisario de exposiciones. Su proyecto creativo se centra en la exploración de las posibilidades de la imagen y de sus canales de transmisión, reflexionando sobre la capacidad de la fotografía para dar a la ficción apariencia de “verdad científica”. Obras como Herbarium (1982-85) o Fauna (1985-90) responden a tales postulados. El proyecto Securitas (1995), gracias a la indagación de los límites existentes entre la fotografía y la pintura, la literatura y el lenguaje de las nuevas tecnologías le llevó a obtener el prestigioso United Kingdom Year of Photography and Electronic Image Award en 1997, concedido por el Arts Council, y el Premio Nacional de Fotografía en 1998

Inmigrante (de la serie Googlegramas), 2005

Impresión digital

Digital print

120 x 150 cm

Sandra Gamarra

Lima, Perú, 1972

El trabajo de Sandra Gamarra se centra principalmente en el uso de la pintura para reflexionar sobre la utopía cultural y la necesidad de cuestionar el mundo del arte desde ese mismo universo. El conjunto de su obra es una colección ficticia, con copias de obras reales y en la mayoría de los casos totalmente reconocibles, que transfieren la labor de la fotografía al campo de la pintura. Como ella misma apunta: “Mi trabajo se está dividiendo en dos vertientes: por un lado el del imaginario propio y por otro el de la utilización del imaginario de otros artistas. Habría que anotar que dentro del imaginario de otros está también el mío propio, pues en el momento de usarlo termina siendo copia de él, aunque sea yo misma la autora”.

Visita guiada (catálogo LiMac), 2003

Libro compuesto por 112 óleos sobre papel algodón

Book comprised of 112 oil paintings on cotton paper

17 x 23 cm

Murakami, 2004

Óleo sobre lienzo

Oil on canvas

195 x 146 cm

Koons, 2004

Óleo sobre lienzo

Oil on canvas

162 x 130 cm

Carlos Garaicoa

La Habana, Cuba, 1967

Desde principios de los noventa, Carlos Garaicoa ha venido desarrollando una obra interdisiciplinar que entrelaza y propone cuestiones que abarcan por igual la arquitectura y el urbanismo, la experiencia histórica y la política. Primero a partir de la noción de la obsolescencia de La Habana, donde nació el artista, y después en torno a diferentes espacios de la memoria, la percepción y la imaginación, Garaicoa ha venido entretejiendo una obra que conjuga la realidad y la ficción, el pasado y el porvenir, mientras aborda —desde las ruinas o desde la proyección mental— el papel de la arquitectura en el legado histórico, el fracaso del proyecto de la modernidad y la decadencia de las utopías del siglo pasado. A partir de todo tipo de medios y materiales —idiosincráticas maquetas arquitectónicas, mapas, dibujos, fotografías y vídeos—, Garaicoa ha venido explorando, por una parte, el impacto urbanístico y social de las ideologías utópicas que frustraron o abortaron su propuesta original y, por otro, se interesa en la posibilidad de proyectos idealistas y en una noción poética y narrativa de la sociedad por venir.

De cómo la tierra se quiere parecer al cielo III, 2003

Instalación (madera, metal, fluorescentes)

Installation (wood, metal, fluorescent lighting)

Dimensiones variables / Variable dimensions

Carmela García

Lanzarote, España, 1964

Formada en el campo de la fotografía, sus imágenes, protagonizadas en su mayoría por mujeres, se inspiran en los paisajes decimonónicos donde la figura del hombre queda empequeñecida ante la magnitud de la naturaleza. Sus composiciones muestran las interrelaciones que se establecen en el mundo femenino. Son fotografías en color, de grandes dimensiones, meticulosamente realizadas, que hablan del deseo y la seducción e, incluso, de una realidad paralela construida por la artista en su búsqueda de lo ideal. Como ella misma explica: “Historias instantáneas y ambiguas, provocadas, donde el eje de la acción (o de la tensión) está determinado por la dirección de las miradas, la distribución en el espacio mismo. Busco lo sugerente, lo no explícito”.

El trabajo de Carmela García ha formado parte de exposiciones individuales y colectivas en Madrid, España ( Museo Reina Sofía, Galería Juana de Aizpuru, Canal de Isabel II), Kanazawa, Japón (21st Century Museum); París, Francia (Maison de la Photographie); Nueva York, EEUU (PS1 Contemporary Art Center del Moma); Venecia, Italia (Granieri de la Giudecca, 49 Bienal de Venecia); Telaviv, Israel (Cheoluche Galerie); Caracas, Venezuela (Museo Sofía Imberg); Amsterdam, Países Bajos (Van Gohg Museum); Bucarest, Romania (International Center of Contemporary Arts), entre otros.

Sin título (de la serie Paraíso), 2003

Fotografía color

Color photograph

180 x 220 cm

Ed. 2/3 + 1 P.A.

Sin título (de la serie Ofelias), 2003

Fotografía color

Color photograph

180 x 220 cm

Ed. 3/3 + 1 P.A.

Anthony Goicolea

Atlanta, EE. UU., 1971

Podríamos definir la obra de Anthony Goicolea como una autobiografía de ficción de su “eterna” adolescencia. El artista cubano-americano crea escenarios muy elaborados, melancólicos y misteriosos en todas sus obras y coloca a sus personajes, adolescentes varones, en situaciones indefinidas e inusuales, que provocan curiosidad e incluso miedo. Los personajes de sus obras –ya sea de forma individual o un grupo– siempre son él mismo, que mediante un proceso digital clona su propio físico. Cuestiones como el género, la sexualidad, los miedos, comportamientos obsesivos, juegos indefinidos, la amistad y la compañía son los temas tratados en sus obras, ya sean vídeos, fotografías y dibujos. Con una cuidada técnica y puntos de vista globales de la acción, Goicolea representa situaciones que crean en el espectador una especie de complicidad y rechazo. Desde el comienzo de su producción artística en 1996, investiga las construcciones sociales relacionadas con la edad y el género, intentando reflejar las fantasías adultas e infantiles e ideas convencionales sobre la belleza y lo grotesco a través de cada vez más complejas narraciones interpretadas en escenarios fantasiosos e intrigantes. Entrelaza la performance, la ficción y el relato biográfico en una misma obra.

Entre sus últimas exposiciones destacan: Pathethic Fallacy: An Exhibition, Postmasters Gallery (Nueva York, EEUU, 2011); Home, Ron Mandos Gallery (Amsterdam, Países Bajos, 2010); Related, Houston Center for Photography (Texas, EEUU, 2010); Anthony Goicolea, MCA. Denver Museum of Contemporary Art, Denver, EEUU 2009).

Amphibians, 2002

DVD vídeo color y audio

DVD color video and sound

3’ 53”

Ice Storm, 2005

Fotografía color

Color photograph

183 x 233,5 cm

Diango Hernández

Sancti Spíritus, Cuba, 1970

Estudió Diseño Industrial en el Instituto Superior de Diseño (ISDI) de La Habana. Al terminar su licenciatura en 1994, inició una experiencia colaborativa bajo el nombre  “Ordo Amoris Cabinet”, palabras en latín que significan “órden” y “amor”. Sus trabajos han sido expuestos en la 51 Bienal de Venecia (Arsenale, 2005), Bienal de Sao Paulo (2006), Bienal de Sidney (2006), Kunsthalle Basel (2006), Haus der Kunst, Munich (2010), Hayward Gallery, Londrés (2010) y en una exposición colectiva en el MART (2011) en Rovereto, Italia.

La práctica artística de Hernández es muy conceptual, y gira en torno a objetos encontrados, y materiales sugerentes o simbólicos que son (re-)apropiados, mientras la retórica política se trata siempre con sutileza y discreción, evitando todo tipo de “esloganismo” y propaganda que forman parte de la consciencia colectiva cubana. El trabajo de Hernández puede entenderse como crítica social y como un deseo de transformación social.

Living room partido, 2006

Instalación (espejo, mesa, TV, monitor, otros)

Installation (mirror, table, TV, monitor, others)

Dimensiones variables / Variable dimensions

Kaoru Katayama

Himeji, Japón, 1966. Vive y trabaja en Madrid

 Japonesa residente en España desde 1992, su obra explora cuestiones relacionadas con su condición de extranjera y el hecho de pertenecer a dos culturas diferentes. La vídeoperformance es el formato que más utiliza para analizar temas relativos a la inestabilidad cultural, aunque también trabaja con otros medios como el dibujo, la fotografía o la escultura. El registro de situaciones de tipo performativo le permite hacer visible el choque cultural, a través de sus diferentes estados de confusión, desánimo o adaptación. Al ofrecer un escenario para sucesos imprevistos las obras de Kaoru Katayama abren la posibilidad de generar debates en torno a la comunicación e incomunicación cultural.

Katayama es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Fue galardonada con el Premio ARCO de la Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas en 2006. Sus trabajos han sido expuestos en exposiciones individuales en el San Martín Centro de Cultura Contemporánea (Las Palmas de Gran Canaria, España, 2012), MC Kunst (Los Ángeles, EEUU, 2008), Casa Triángulo (Sao Paulo, Brasil, 2007), DA2 Domus Artium 2002 (Salamanca, España, 2004), entre otros.

Technocharro, 2004

Videoproyección, color, sonido

Video projection, color, sound

5’ 35”

A Girl from Salamanca, 2005

Técnica mixta sobre lienzo

Mixed media on canvas

90 x 65 cm

Leonilson

Fortaleza, Brasil 1957 – Sao Paulo, Brasil, 1993.

Leonilson es una figura única dentro del contexto del arte contemporáneo brasileño. Aunque con frecuencia se le asocie con la llamada Geração Oitenta (Generación de los ochenta), que reivindicó una vuelta a una pintura a menudo de gran formato, las obras más fascinantes de Leonilson son las que creó a finales de esa década e inicios de la siguiente y consisten principalmente en bordados (en la actualidad sus piezas más valoradas), pero también en dibujos y objetos. Es difícil determinar los antecedentes brasileños de este artista e incluso establecer vínculos con sus coetáneos. Originario del nordeste brasileño (al contrario de la mayor parte de los artistas, nacidos en Río de Janeiro o en São Paulo) y viajero por Europa, Leonilson tuvo una formación muy singular. Sus amplios intereses iban del cine y la literatura a las artes decorativas de mediados del siglo o a la moda contemporánea, circunstancia que estimuló su recurso al textil, la costura y el bordado y que le condujo a un repertorio personal que es fuente de su originalidad. Aunque expuso su trabajo internacionalmente en vida, su muerte en 1993 provocada por dolencias asociadas al SIDA le impidió vivir lo suficiente como para ser testigo de la gran receptividad mundial frente a la creación contemporánea de Brasil que empezó a registrarse en los últimos años de la década de los noventa. Tras su retrospectiva póstuma en 1995 en São Paulo, la obra de Leonilson comenzó a exponerse internacionalmente, con una muestra de dos artistas celebrada en 1996 en el MoMA y otras en las bienales de Estambul (1997), São Paulo (1998 y 2010) y en la edición de 2007 de la Bienal de Venecia, comisariada por Robert Storr. Fruto de ese reconocimiento internacional creciente es la incorporación de sus obras a un gran número de colecciones museísticas de fuera de Brasil, como las del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Tate Modern, Museu Serralves, Musée National d’Art Moderne-Centre Pompidou, Los Angeles County Museum of Art, The Museum of Fine Arts, Houston o el MoMA neoyorquino.

Sua Montanha Interior Protetora, 1989

Tinta india y acuarela sobre papel

Indian ink and watercolor on paper

37,5 x 30 cm

Fantasia, terra, mar ar perversas, 1988

Tinta india y acuarela sobre papel

Indian ink and watercolor on paper

32 x 24 cm

Voyerurismo, olhos para te ver, 1988

Tinta india y acuarela sobre papel

Indian ink and watercolor on paper

32 x 24 cm

Cristina Lucas

Jaén, España, 1973

Los distintos arquetipos familiares, los patrones de compartimientos morales y lo político entendido como un tipo de estructura que atraviesa los diversos modos de relación social son los fondos temáticos con los que Cristina Lucas construye su trabajo, siendo el dibujo, la fotografía y el vídeo los medios más utilizados por la  artista. El espacio doméstico y la naturaleza no son dos escenarios antagónicos, sino los más apropiados para  desplegar un discurso dialéctico sostenido tanto en las referencias históricas y los comportamientos consensuados como en las posiciones de género, siendo éstas últimas las más revisadas por la artista últimamente. Alejándose en parte de los debates feministas, lo que Lucas expone es un tipo de reflexión histórica sostenida por las herencias morales, patriarcales, y por el protagonismo que estos discursos asumen en la construcción de nuestros vínculos.

Cristina Lucas ha tenido exposiciones individuales en el Museo Amparo Puebla (México DF, 2012), Museo Carillo Gil (México DF, 2011), Centro de Arte 2 de mayo (Madrid, 2010), Stedelijk Museum Schiedam (Ámsterdam, 2008), AECI (Miami, 2005), entre otros.

Tú también puedes caminar, 2006

Videoinstalación (muñeco, vídeo color y sonido)

Video installation (doll, color video and sound) 9’

Jorge Macchi

Buenos Aires, Argentina, 1963

El trabajo de Jorge Macchi tiene como origen la apropiación de objetos. Apenas manipulados, los recicla y utiliza en un ejercicio reivindicativo que invita a la reflexión y la memoria. Noticias del periódico, necrológicas o mapas de ciudades son algunos de los materiales que pueden atraer su atención y, gracias al azar, convertirse en conductos cargados de significados metafóricos con los que expresa lo efímero y lo agrio de la experiencia vital. Para Macchi, lo que conforma la historia es accidental y en cuanto sucede se convierte en desecho, siendo precisamente lo que ocurre después de la noticia lo que atrapa su interés. En última instancia, como él mismo declara, su obra intenta remarcar la forma en que se construye la realidad a partir de tres ejes: conocimiento, terror y olvido.

Un charco de sangre (poema), 1999

Collage sobre papel

Collage on paper

150 x 480 cm

Gilda Mantilla

Lima, 1967

El trabajo que Gilda Mantilla viene realizando a través del dibujo y la pintura se asienta sobre principios casi animistas que otorgan a la imagen un cierto poder propiciatorio. Gilda Mantilla crea la imagen como forma de construir identidades, de esta manera, su discurso indaga sobre la imagen de la mujer y dentro de ésta, sobre los diferentes roles sociales y culturales que desarrolla, construyendo estereotipos que, en última instancia, reflexionan sobre la construcción social de la persona. Desde el año 2001, colabora con Raymond Chaves en proyectos móviles, tales como Hangueando, Periódico con patas, donde conjugan la labor creativa con los estímulos de contextos locales.

Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Revolver (Lima, Perú, 2012 y 2010), Bielefelder Kunstverein (Bielefeld, Alemania, 2012), ProjecteSD (Barcelona, España, 2010 y 2007), Patio Herreriano (Valladolid, España, 2006).

Historia natural (series), 2006

12 dibujos, técnica mixta sobre papel

12 drawings, mixed media on paper

25 x 35 cm c/u each

Enrique Marty

Salamanca, España, 1969

Enrique Marty investiga, reflexiona y compila a través de diversos lenguajes –dibujo, escultura, vídeo, pintura– cómo el terror, el suspense o lo siniestro se despliegan a través de entornos familiares. Las diversas tramas expresivas de Marty suelen estar acompañadas de destacadas puestas en escena. Un clima de contundencia narrativa y tensión envuelve sus historias. En ocasiones recuerdan los informes forenses o los estudios de patologías cotidianas. La extrañeza, el terror o la violencia en este universo se nos presenta no como algo que está por acontecer sino como un estado de cosas que ya ha sucedido. Cada uno de sus situaciones y personajes despliegan un tipo de narración de corte policial o de periodismo sensacionalista, donde los indicios han desparecido. Pero es en el interior de este clima donde las imágenes se tornan cotidianas. Marty retrata la violencia con ironía, desenfreno y naturalidad.

Marty ha tenido varias exposiciones a nivel nacional e internacional, destacando las recientes: Soft Cockney, Deweer Gallery (Bruselas, Bélgica, 2013), Las tres transformaciones, Galería Enrique Guerrero (México DF, México, 2011) Ghost’s Spirit, One and J Gallery (Seúl, Corea, 2010), La Sombra (FAP, Cuenca, España, 2010), Club Matadero (Benavides de Órbigo, España, 2007), entre otros.

La familia, 1999

Instalación (100 pinturas al óleo sobre madera)

Installation (100 oil paintings on board)

Dimensiones variables / Variable dimensions

De Flaschengeist. La caseta del alemán, 2005

3 esculturas, técnica mixta

3 sculptures, mixed media

Dimensiones variables / Variable dimensions

Julia Montilla

Barcelona, 1970

El trabajo de Julia Montilla, fundamentalmente vídeo y fotografía, gira en torno al papel de la mujer en la sociedad contemporánea. A través de imágenes de un cuidado tratamiento formal, la artista catalana elabora una relectura de la condición de lo femenino que presenta de manera contundente gracias a un lenguaje de marcado carácter alegórico. Su obra discurre entre el esteticismo y un sentido del humor más cercano a lo sarcástico que a lo irónico, aunque sin eludir en momento alguno la conciencia crítica y feminista de la que parte.

Entre las exposiciones individuales que ha realizado destacan: El cuadro de la calleja (Fundación Joan Miró, Barcelona, España, 2013), Ídolos e idolillos (Palacio de la Magdalena, Santander, España, 2013, Say yes! (Maribel López Gallery, Berlin, Alemania, 2010), 122m! (C.C. del Matadero, Huesca, España, 2009).

Flame (Capriccio), 2001

DVD vídeo color y sonido

DVD color video and sound

1’ 48”

M. Nuñez_De la serie MONSTRUAS

Marina Nuñez

Palencia, 1966

El trabajo de Marina Núñez tiene desde sus inicios un rotundo posicionamiento ideológico en torno a los discursos de género. Técnicamente posee un control de la pintura que le permite indagar con distintos materiales y texturas, y que se traduce en obras realizadas en óleo sobre tela, madera, aluminio o plástico. Pero es precisamente esta narración no exenta de compromiso la que ha llevado a la artista en los últimos años a explorar otros medios técnicos como la reproducción digital o el vídeo. La mujer y su posición a lo largo de la historia y en el momento actual, son algunas de las cuestiones presentes en un trabajo que obliga a repensar al espectador la historia escrita en masculino y el presente ingenuamente asexuado que nos ofrece, generando preguntas que la propia artista razona también a través de su labor como crítica y ensayista.

Ha expuesto individualmente en centros públicos como el Espacio Uno del Reina Sofía, La Gallera de la Comunidad Valenciana, la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca, la Iglesia de Verónicas en Murcia, el DA2 de Salamanca, la Casa de América en Madrid, el Instituto Cervantes en París, La Panera en Lleida, el Musac en León, el Centre del Carme en Valencia, la Sala Rekalde en Bilbao o el Patio Herreriano en Valladolid.

De la serie Monstruas, 1998

Óleo sobre lienzo

Oil paint on canvas

245 x 146 cm

De la serie Monstruas, 1998

Óleo sobre lienzo

Oil paint on canvas

245 x 146 cm

Tatiana Parcero

México DF, 1967

Tatiana Parcero es licenciada en Psicología de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). En 1995 obtuvo un Máster en Artes con especialización en fotografía en la New York University y el International Center of Photography (NYU/ICP). Comenzó a trabajar en la fotografía en 1985; desde principios de los 90 se ha concentrado en el cuerpo y el autorretrato, y ha creado la técnica de yuxtaposición de fotos en blanco y negro impresas en acetatos sobre fotos a color. Su obra abarca la fotografía y el vídeo en los que explora conceptos como la identidad, memoria, territorio, tiempo y actualmente investiga las migraciones-inmigraciones.

Su obra ha formado parte de numerosas e importantes exposiciones en México, Cuba, España, Inglaterra, Italia, Puerto Rico, Francia, Argentina y Estados Unidos; y se encuentran en las colecciones de Museum of Fine Arts (Houston, Texas, EEUU), El Museo del Barrio (NY, EEUU), Centro de Arte Caja Burgos (Burgos, España), Lowe Art Museum (Miami, EEUU), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, entre otros.

Actos de fe #11, 2003

Acetato impreso sobre fotografía

Printed acetate on photograph

108 x 125 cm

Actos de fe #25, 2004

Acetato impreso sobre fotografía

Printed acetate on photograph

66 x 154 cm

Actos de fe #2, 2003

Acetato impreso sobre fotografía

Printed acetate on photograph

100 x 70 cm

Actos de fe #16, 2003

Acetato impreso sobre fotografía

Printed acetate on photograph

108 x 125 cm

Jorge Pineda

Barahona, República Dominicana, 1961

El trabajo de Jorge Pineda se presenta como una relectura de temáticas y disciplinas tradicionales para abordar una plástica personal de marcado contenido social. Partiendo de la sencillez de técnicas como la pintura, el dibujo o el grabado, su obra adquiere una dimensión conceptual al introducir en ella distintos ritos y costumbres populares, que son la base para elaborar una idea de identidad contemporánea en el marco de la cultura urbana actual. Su formación como arquitecto se materializa en un cuidado uso del espacio, a través del cual crea un verdadero diálogo de la obra con su entorno y con el espectador. La reinterpretación de los arquetipos de la sociedad dominicana, así como el análisis de las distintas problemáticas sociales del contexto, es el motor de una reflexión sobre la historia colectiva hispanoamericana conformada a lo largo de sucesivas generaciones. En sus trabajos cobra especial relevancia la presencia del cuerpo humano, como elemento metafórico que permite la identificación social y sexual de una comunidad determinada.

Santos Inocentes, 2003

Instalación (escultura plástica, yeso y textil tratado con silicona y acrílico)

Installation (plastic scuplture, Blaster and textile treated with silicon and acrylic)

Dimensiones variables / Variable dimensions

Miguel Ángel Rojas

Bogotá, Colombia, 1946

Miguel Ángel Rojas es un artista conceptual colombiano, cuya obra, expresada a través del dibujo, la pintura, la fotografía, las instalaciones y el video, trata de asuntos relacionados con la sexualidad, la cultura marginal, la violencia y la problemática relacionada con el consumo y la producción de drogas.

Estudió arquitectura en la Universidad Javeriana y pintura en la Universidad Nacional de Colombia. Entre sus exposiciones individuales se encuentran El Camino Corto, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá (2012); Objetivo-Subjetivo, Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá (2007); Bio, Museo de Arte Moderno, Bogotá (1991). Entre sus muestras colectivas destacadas están la 29a Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil (2010), Cantos Cuentos Colombianos, Daros Latinamerica Collection, Zurich, Suiza (2004), 39 Salón Nacional de Artistas, Bogotá, Colombia (2004), Re-Aligning Vision, Museo del Barrio, New York, USA (1997), Latin American Artist of the Twentieth Century, MOMA, New York (1993). Su obra se encuentra en colecciones como la Fundación La Caixa, Barcelona; Daros Latin America Collection, Zurich; Museum of Modern Art, New York; MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo, Castilla y León; Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá; Instituto Nacional de Bellas Artes, México DF.

Santa 1 (Políptico), 2005

Fotografía color

Color photograph

180 x 400 cm

MP & MP Rosado

San Fernando, Cádiz, 1971

Con sus trabajos, MP & MP Rosado exploran la construcción del yo, individual y colectivo, “como un inmenso espejo en el que nos reconocemos” y las prácticas escultóricas contemporáneas a través del lugar y el espacio social.

Entre los premios y becas que han recibido destacan el Premio BIENAL Pilar Juncosa & Sotheby’s. Fundació Pilar i Joan Miró de Mallorca (2013), VI Premio Iberoamericano Cortes de Cádiz de Creación Artística Contemporánea ‘Juan Luis Vasallo’ 2012, 7ª Becas Colección CAM de Artes Plásticas, Alicante (2009/2010), IV Premio Iniciarte de Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía (2009), Beca de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín de Santander (2008-2009), V Premio ARCO Comunidad de Madrid (2008), ISCP International Studio & Curatorial Program de Nueva York, (2006-2007), Beca “The Pollock-Krasner Foundation”, New York (2002-2003). Entre sus recientes exposiciones individuales se encuentran la del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Málaga (2014), Museo de Huelva (2012), Casal Solleric/Espai Quatre, Málaga (2011).

Like Street Dogs), 2003

Tinta y gouache sobre papel

Ink and gouache on paper

63 x 82,5 cm

Fernando Sánchez Castillo

Madrid, España, 1973

La obra de Sánchez Castillo reflexiona sobre el pasado histórico y los símbolos del poder, así como sobre las distintas formas de vigilancia y control que dicho poder ha desarrollado. Su trabajo integra un amplio abanico de fuentes, desde la iconografía militar y el situacionismo hasta los orígenes del arte contemporáneo y la violencia inútil generada por las sociedades postcapitalistas. Sánchez Castillo utiliza su obra como herramienta para experimentar con procesos de conducta tales como la fascinación que la violencia o la destrucción ejercen sobre el ser humano. El desarrollo de su obra se basa en prácticas de resistencia e interferencia y su objetivo es poner en cuestión y en evidencia el sigilo con el que actúa el poder.

Architectura para el caballo, 2002

DVD, color, sonido

DVD, color, sound

5’ 30”

Martín Sastre

Montevideo, Uruguay, 1976

Partiendo de una formación marcada por la influencia del cine y los medios audiovisuales, la obra de Martín Sastre deconstruye los diversos modelos, tópicos e iconos de la sociedad de consumo a través de la posición de Latinoamérica en el estado de la globalización. Apropiándose de las estrategias creativas y publicitarias generadas por esta, y desde una mirada sarcástica y rebosante de sentido del humor, Sastre adopta un posicionamiento marcadamente crítico hacia los medios de comunicación de masas, punto de partida y catalizador de sus vídeos. Una actitud comprometida que se hace patente en el cuestionamiento de las pautas que, en el arte como en la vida, estructuran un complejo entramado de relaciones que viene marcado por las diferencias impuestas por poderes económicos de distinta índole.

El conjunto de esta obra es un universo fruto de la fantasía del artista, que aparece interpretando extravagantes personajes que se resisten a habitar en un mundo plagado de contradicciones. Personajes que encuentran su lugar en los diversos mecanismos inventados para evadirse de una realidad a la que resulta difícil acostumbrarse, como el cine de Hollywood, los videojuegos o las estrellas del pop. Sastre ironiza sobre la construcción de unos sueños compartidos en una sociedad drásticamente dividida.

The Iberoamerican Trilogy-Videoart: The Iberoamerican Legend, 2002

DVD, color, sonido

DVD, color, sound

16’

The Iberoamerican Trilogy-Montevideo: The Dark Side of Pop, 2004

DVD, color, sonido

DVD, color, sound

13’ 26”

The Iberoamerican Trilogy-Bolivia 3: Confederation Next, 2004

DVD, color, sonido

DVD, color, sound

10’

Javier Téllez

Valencia, Venezuela, 1969

El video artista Javier Téllez combina historias de ficción y documental para cuestionar el significado de lo normal y anormal, y la patología. Trabaja de cerca con grupos de la población considerados “invisibles” como pacientes psiquiatricos, discapacitados físicos y desfavorecidos. Téllez reescribe historias, memorias colectivas y momentos en historia en general y de la historia del arte. A través de su trabajo artístico, da voz a los marginados, a los desconocidos.

Téllez ha expuesto en el SMAK (Ghent, Bélgica, 2013), Museum Sammlung Prinzhorn (Heidelberg, Alemania, 2012), Jones Center (Austin, Texas, EEUU, 2011), MARCO (Vigo, España, 2010), Museu Calouste Gulbenkian (Lisboa, Portugal, 2010), Kunsthaus Baselland (Basel, Suiza, 2009), Aspen Art Museum (Aspen, EEUU, 2006), The Power Plant Contemporary Art Gallery (Toronto, Canadá, 2005), entre otros.

Oedipus Marshall, 2006

16mm película, color y sonido transferido a DVD

16mm color and sound film transferred to DVD

30’

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Un comentario

  1. Muy buen artículo, llegue a él por Google y ahora estoy aprendiendo de Internet y leyendo sobre WordPress y tal, ¿me podrías ayudar con algún hosting que automáticamente te instale WordPress? Lo más sencillo posible, por favor. Saludos

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